WAITINGROOM

Yuki Onodera "Parcours - Between pneumatic post and homing pigeon -"

11/2 (Sat.) - 12/8(Sun.), 2024

https://waitingroom.jp/en/exhibitions/parcours/

Opening Reception : 11/2 (Sat.) 6-8pm

*Artist, Yuki Onodera will be present at the opening reception on 11/2, Sat. 6-8pm.

*We are open on Wed to Sat. 12-7pm and Sun. 12-5pm

*Closed on Mon., Tue. and National Holidays (11/3 and 11/23)

*During “Art Week Tokyo”: 11/7 (Thu.) - 10 (Sun.), we will be open on 11/7 (Thu.), 8 (Fri.) and 9 (Sat.) from 10am-7pm and on 11/10 (Sun.) from 10am-6pm.

Press release

https://waitingroom.jp/wp-content/uploads/2024/10/20241008_WGRM_ONODERA_PR_ENG.pdf

WAITINGROOM (Tokyo) is pleased to welcome Paris-based Yuki Onodera as guest artist to present “Parcours – Between pneumatic post and homing pigeon -,” her first solo exhibition with the gallery, from November 2 (Sat) to December 8 (Sun), 2024. This exhibition is a part of Art Week Tokyo 2024.

Inspired by the gallery’s location on the site of a former post office, Onodera’s new works are based on the themes of communication and the transmission of information, connecting the city of Paris where she lives to this gallery in Tokyo. These works were created in such a way that different spaces and time frames (past and present) overlap, with communication systems as the starting point. The exhibition will feature approximately 40 works on a wide variety of postal themes, ranging from large vertical prints over two meters in length to small, postcard-sized prints with stamps and postmarks, all connected by a single red line from the front of the gallery to a space further in the back.

WAITINGROOM

Nagashima Bldg. 1F, 2-14-2 Suido, Bunkyo-ku, Tokyo, JAPAN, 112-0005

TEL  +81-3-6304-1877

MAIL  info@waitingroom.jp

Photography? End?

Yuji Hamada

Ken Kitano

Miki Nitadori

Yuki Onodera

Naruki Oshima

Risaku Suzuki

Kazuyoshi Usui

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FOCUS

Exhibit Dates: June 15 – August 7, 2024

Maui Arts & Cultural Center, Schaefer International Gallery One Cameron Way, Kahului, Hawai‘i 96732, USA

This group exhibition will take place at Maui Arts & Cultural Center’s Schaefer International Gallery in summer 2024 and the University of Hawai‘i at Mānoa Art Gallery in winter 2025. The exhibition features seven contemporary photographers from Japan who go by the collective name of “photography?end?”, consisting of Yuji Hamada, Ken Kitano, Miki Nitadori, Yuki Onodera, Naruki Oshima, Risaku Suzuki, and Kazuyoshi Usui. Their respective avenues of work look at the potentiality of photography in a rapidly evolving digital age. While the production of images has become largely dematerialized in our current moment, the artists consider the materiality of photography and explore the relationship between conception, theme, and exhibition of work.

Curated by Schaefer International Gallery Director Jonathan Yukio Clark, the exhibition will present a body of work from each artist, with several artists opting to integrate site-specific works developed in Hawai‘i with their longer ongoing series. Their approaches push the boundaries of photography through a range of presentations that include prints of varied scale, cyanotypes on alternate materials, documentation of constructed environments, and installation-based projects. The exhibit will also include several concurrent public programs, such as presentations and workshop formats that seek to foster relationships between this international collective of photographers and Maui’s unique artist community.

MACC Exhibition Dates: June 15 – August 7, 2024

Opening Reception: June 14 (Friday), 6 pm

Photographic Movements – Artist Presentation: June 15 (Saturday), 2-4 pm

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University of Hawai‘i at Mānoa Art Gallery

UHM Exhibition Dates: January 13 – February 16, 2025

Opening Reception: January 19, 2025

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AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions

Yuki Onodera
Photographe japonaise.

Après des études de stylisme de mode à l’École de design Kuwasawa, à Tokyo, Yuki Onodera se met à apprendre en autodidacte les techniques de la photographie, qui sera par la suite son principal mode d’expression. En 1991, elle remporte la première édition du prix La Nouvelle Époque de la photographie, décerné par la firme Canon : ses œuvres sont saluées pour leur « valeur énigmatique ». On les décrit souvent comme insolites, mystérieuses, impénétrables, mais ce qui semble intéresser avant tout Y. Onodera, c’est moins l’acte de mélanger et d’amalgamer de façon excentrique une multiplicité d’objets singuliers issus d’horizons différents, semblable à la démarche surréaliste du dépaysement, que le caractère « physique » de la photographie, dont elle explore toutes les avenues, notamment sa capacité à transformer et à transfigurer le sujet, à générer des textures et des impressions.

Y. Onodera arrive à Paris en 1993, au moment où se tient l’exposition Dispersion de Christian Boltanski (1944-2021). Pour réaliser l’œuvre éponyme, C. Boltanski a empilé une grande quantité de vêtements usagés, voire déchirés, tel un monument dressé à la Shoah. Quand Y. Onodera vient admirer l’œuvre, elle remporte de sa visite, dans un sac prévu à cet effet, autant de vêtements qu’elle a pu, ce qui donne naissance à son tour à sa célèbre série Portraits de fripes (1994), dans laquelle chaque pièce est photographiée individuellement, dépliée et de face, en lévitation sur un fond représentant un ciel traversé de nuages vaporeux. Le voile gris recouvrant l’image souligne le contraste entre le premier plan et l’arrière-plan, et suggère la présence de celui ou celle qui devait porter ces habits. La texture du tissu est nettement rendue au premier plan, de façon quasi tangible, soulignant à la fois l’absence et la présence de son propriétaire, tandis que le flou du ciel lointain en arrière-plan évoque le temps qui passe inexorablement, au-delà de la finitude dudit propriétaire, ou peut-être l’incommensurable temps qui s’est accumulé sur ses épaules. L’artiste raconte que, pour chaque portrait, elle attendait de sentir que l’individu s’était évaporé dans l’air avant de prendre le cliché. La démarche vise à redonner vie à chaque pièce du monceau de vêtements et à utiliser la photographie comme un mécanisme capable d’évoquer les textures à partir de souvenirs générés, même si ceux-ci sont inconnus du spectateur ou de la spectatrice.

On ne peut combiner plusieurs caractères physiques dans une image que si on connaît la texture des éléments saisis par la photographie. Roland Barthes a théorisé que la photographie est avant tout le témoin ou la répétition de « ce qui a été », autrement dit une sorte d’« échec » de la réalité, plutôt que le portrait de ce qui nous apparaît. Y. Onodera applique ce principe dans plusieurs de ses séries pour construire une matérialité autre. Dans Comment fabriquer une perle (2000-2001), elle insère une bille dans l’appareil photo pour piéger la lumière et créer un effet d’ombre, donnant l’illusion qu’un étrange objet blanc flotte au-dessus d’une foule rassemblée le soir ; tandis que, dans Liquide, téléviseur et insecte (2002), le visuel d’un insecte capturé par l’appareil photo lors d’émissions télévisées est juxtaposé à un cliché de liquide renversé, peut-être de la peinture, pour former l’illusion de l’ombre de l’insecte. Transvest (2002) est un autre photomontage réalisé à partir d’images prises dans des magazines et des journaux pour composer une silhouette en contre-jour. Dans Le Onzième Doigt (2006- en cours), le visage des personnages est caché par une feuille ajourée comme de la dentelle qui se serait collée là lors du processus de création du photogramme, créant ainsi une couche supplémentaire à la scène qui a fait l’objet de la prise de vue. Dans Étude pour « Image à la sauvette » (2015- en cours), de la peinture acrylique a été appliquée sur le tirage : elle semble surgir de bouteilles en plastique déformées, qui sont en fait une combinaison de photographies et ne doivent leur reconnaissable existence transparente que grâce aux reflets de la lumière.

Outre ces distorsions créatives, qui mettent en évidence la manière dont la photographie opère et intègre plusieurs niveaux de caractère physique dans une même image, la taille du cliché final joue aussi un rôle important dans l’œuvre de Y. Onodera, qu’il s’agisse d’un grand ou d’un petit format, comme c’est clairement le cas dans Muybridge Twist (2014-en cours). Tout en se référant au photographe britannique Eadweard Muybridge (1830-1904), entré dans l’histoire avec ses instantanés décomposant le mouvement d’un cheval au galop ou de personnes en train de marcher, Y. Onodera réunit dans cette série différentes parties du corps humain, voire d’animaux, en une seule figure qui semble danser en se contorsionnant – d’où le terme twist du titre anglais. Plutôt que de montrer les séquences du mouvement du personnage, elle crée des sortes de sculptures déjantées dans des tirages plus grands que la taille humaine, des formats 300 ´ 200 cm. Au moment de faire son assemblage, elle agrandit les images qu’elle a découpées dans des magazines de mode et réalise des collages dans la taille voulue pour sa composition finale. Cette dimension joue un rôle déterminant en ce qu’elle confère à la création un écrasant sentiment de puissance qui s’abat sur le spectateur, tout en mettant en évidence en quoi un autre caractère physique de la photographie peut impacter le ressenti de l’œuvre.

Les récentes expositions personnelles de Y. Onodera sont l’occasion de présenter de nouvelles séries, notamment La Clairvoyance du hasard, au Centre de la photographie de Mougins en 2022, ou Here, No Balloons, à la Ricoh Art Gallery de Tokyo la même année. Citons comme rétrospectives monographiques majeures Yuki Onodera. Décalages en 2015 à la Maison européenne de la photographie, à Paris, Mille miroirs dans la forêt en 2014 à la Maison d’art Bernard Anthonioz, à Nogent-sur-Marne, La Photographie en apesanteur en 2011-2012 au musée Nicéphore Niépce, à Chalon-sur-Saône, Onodera Yuki : Into the Labyrinth of Photography au musée de la Photographie de la ville de Tokyo (TOP Museum) en 2010 ou encore Onodera Yuki au musée de la Photographie de Séoul en 2010. En 2011, Y. Onodera a été récompensée par le prix du ministère japonais de l’Éducation et de la Culture et par le prix du photographe japonais lors de la 27e édition du prix Higashikawa. Elle a également été lauréate du prix Nièpce Gens d’images en 2006 et du 28^e prix Ihei Kimura en 2003.

Junya Utsumi

Traduit du japonais par Camille Ogawa.

Une notice réalisée dans le cadre du programme « Artistes femmes au Japon : XIXème – XXIème siècle »
© Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, 2024

Vanguard Gallery
20th Anniversary Special Presentation

Curated by TAO Hanchen

Vanguard Onwards
Artists: Antoni Muntadas, Jin Haofan, Zhu Changquan, Xiao Jiang, Liu Fei, Tang Chao, Aki Lumi, Yuki Onodera, Gabriel Lester, Kelvin Kyung Kun Park, Jiu Society, Fang Di, Peng Yun, Guo Xi, Frank WANG Yefeng, Yi Xin TONG, HSU Che-Yu, LAM Pok Yin, Liao Fei, Chen Xingye, Chu Bingchao, Gresham TAPIWA NYAUDE, SONG Yuanyuan, Bi Rongrong, Chen Tianzhuo, Ye Linghan, Double Fly Art Center, Zhang Lehua, Gao Mingyan, Li Ming, Lin Ke, Liu Bolin, Sun Xun, and Tang Dixing

Duration: 16 March to 19 April 2024
Venue: Vanguard Gallery, B1-8, 9 Qufu Road, Jing’an, Shanghai

On the occasion of its 20th anniversary, Vanguard Gallery is delighted to present the special exhibition "Vanguard Onwards," running from March 16th to April 19th. Featuring the works of 34 artists, some of whom have played significant roles in the gallery's journey, while others have been longstanding companions, this exhibition is a testament to the enduring spirit and evolving vision of Vanguard Gallery.

Established in early 2004, amidst China's rapid economic development, the gallery has not only witnessed the flourishing landscape of contemporary Chinese art but has also been actively engaged in nurturing and promoting participants in the Chinese contemporary art scene. Throughout this journey, whether artists, collectors, curators, critics, or broader art enthusiasts, countless friends who share a passion for art have accompanied us. Vanguard Gallery takes this opportunity to express gratitude for their enduring support and trust, and eagerly anticipates continuing this journey together, advancing Vanguard onwards in the face of changing times.

Spanning from Antoni Muntadas, born in 1942, to Tang Chao, born in 1990, the artists in this exhibition represent diverse generations and experiences, showcased through distinct mediums and forms. Their works, thoughtfully curated and juxtaposed, invite multiple interpretations, guiding viewers to revisit the connection between the exhibited pieces, the local context, and the present moment through the layered dimension of time.

"Vanguard Onwards" will be on view until April 19th, 2024. Following this, Vanguard Gallery will host a series of artist talks as part of the 20th-anniversary celebration. We warmly invite everyone to follow Vanguard Gallery’s programs on social media, and join us in celebrating the gallery's 20th anniversary.

« NOIR & BLANC: UNE ESTHÉTIQUE DE LA PHOTOGRAPHIE »

Exposition

17 oct. 2023 Until 21 jan. 2024

la BnF | François-Mitterrand

Galerie 2

Cette exposition rassemble des chefs-d’œuvre en noir et blanc issus des collections photographiques de la Bibliothèque nationale de France. Nadar, Man Ray, Ansel Adams, Willy Ronis, Helmut Newton, Diane Arbus, Mario Giacomelli, Robert Frank, William Klein, Daido Moriyama, Valérie Belin… : les grands noms de la photographie française et internationale sont réunis dans un parcours qui présente environ 300 tirages et embrasse 150 ans d’histoire de la photographie en noir et blanc, depuis ses origines au XIXe siècle jusqu’à la création contemporaine.

https://www.bnf.fr/fr/agenda/noir-blanc-une-esthetique-de-la-photographie

BnF | François-Mitterrand, Rue Emile Durkheim, Paris 75013.

FRANCE

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